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sábado, 27 de junio de 2009

Instalación sobre Tadeusz Kantor

Para el primer festival de Málaga y Encuentros de Escuelas de Arte Dramático
Diciembre de 2007



















La Frase del Mes

Octubre 2009
"Si perseguimos a la víbora venenosa que nos ha mordido, lo único que conseguiremos será provocar que el veneno se extienda por todo nuestro cuerpo. Es mucho mejor tomar medidas inmediatas para extraer el veneno" S.R. Covey

Septiembre 2009
"Aléjate de las personas que intentan minimizar tus ambiciones. Las pequeñas personas siempre hacen eso, pero las verdaderamente grandes te hacen sentir que tú también puedes ser grande" Mark Twain

Agosto 2009
"Para mí ha sido y es un acontecimiento psíquico el arte de Swinarski y Kantor". (Lupa)

Julio 2009
Si alguien no anda al mismo compás que sus compañeros, quizás es porque percibe el sonido de otros tambores (H. D. Thoreau)

Junio 09
"Formarse es reflexionar sobre la propia práctica para mejorarla" (S. Torre)

Mayo 09
Cualquiera puede alcanzar
Las alturas alguna que otra vez
La clave consiste en
Resistir
Charles Bukowski
Abril 09
"Con el teatro alternativo pasa algo así como con la ponografía: Aunque nadie lo sepa definir con exactitud, todos nos creemos capaces de reconocerlo cuando lo vemos"
Daniel Mufson

Marzo 09
“Muchos dicen que las oportunidades son suerte, pero yo creo que la suerte es una combinación de una oportunidad que se encuentra con entrenamiento, conocimiento y educación.”
Álvaro MaldonadoDirector y fundador del The International Ballet Theatre (IBT).

Febrero 09
"Las actitudes son mas importantes que las aptitudes"
"Tu creas tu propio universo durante el camino"

"El fallo de nuestra época es que sus hombres no quieren ser útiles sino importantes"

Enero 09
"El exito es aprender a ir de fracaso en fracaso sin desesperarse"
W. Churchill

Diciembre 08
"Muchas veces uno solo sabe que va,
sin conocer el destino
solo sabe que va"

Noviembre 08
"Koltés decía que el teatro no es la vida, pero es el único sitio donde se dice que esto tampoco lo es" (Antonio Llopis)

Antonin Artaud

TEATRO DE LA CRUELDAD:

1. No pretende descuartizar a nadie sobre el escenario.

2. Sería evocar imágenes sobrenaturales, situaciones que involucren al espectador en una realidad nueva, más sublime.

3. Donde no se hable de una historia psicológica o moral, que no copie la vida sino que intente “comunicarse con las fuerzas puras”.

4. Propone: Una serie de modificaciones a la estructura teatral tradicional, ser un poco “grosero” con el espectador para captar su atención.

5. En el teatro de la crueldad el espectador está en el centro y el espectáculo a su alrededor.

6. La Sonorización es básica: La calidad vibratoria de los ruidos, gritos y sonidos en general y luego su significado como símbolo.

7. Cualidades de la luz se utilizan ampliamente para crear ambientes sugestivos que influyen en el espectador.

8. En este tipo de acción el gesto tiene un poder decisivo, porque es un símbolo vivo, en movimiento irrepetible.

9. Representa la posibilidad de crear una historia mediante un lenguaje estrictamente corporal que con su intensidad cautiva al espectador. “Poder de comunicación y mimetismo mágico del gesto”.

10. El teatro comercial, siendo psicológico y cotidiano. No logra superar la realidad.- Por tanto pierde adeptos los cuales buscan la crueldad. Una crueldad que es la base de toda poesía.

11. Punto de ruptura clave para la formación del nuevo teatro:

o Uno que confronte al espectador con su propio espíritu, en un enfrentamiento que, en un mundo acostumbrado a la evasión resulta doloroso cruel.
o El actor se convierte en el teatro de la crueldad en la posibilidad de exteriorizar las fuerzas interiores y en símbolo de las fuerzas de la naturaleza, de exterior, en una especie de identificación con las fuerzas de los ritos mágicos antiguos.
o Su propuesta es resucitar esta magia del antiguo rito y que el espectáculo se dirija tanto al espíritu como a los sentidos.
o A través de un movimiento a la vez sensual e intelectual, que se logra a partir de sonidos de determinada calidad vibratoria, gestos, cantos y danzas.
o Esta es la congujación de elementos que recuperan para el teatro todo el misterio y la magia de la crueldad del teatro/rito antiguo.
o Necesario romper con la sujeción del teatro al texto por medio del nuevo Alfabeto-en-el-espacio.


12. Artaud en el primer manifiesto decía: Se trata pues, para el teatro de crear una metafísica de la palabra, del gesto, de la expresión pura rescatarlo de su servidumbre a la psicología y a los intereses humanos.

13. Entonces hay que alertar los sentidos, hacer más susceptible la percepción para que sea espejo de la magia y de los ritos.

14. Esto implica un replanteamiento del hombre mismo.

15. Visto desde una perspectiva más metafísica y más poética.
Plena de trascendencia y de imaginación.
Donde se desarrolla la creación en términos reales de una nueva realidad en la que el hombre forme parte del cosmos, entre el sueño y la vigilia.

16. No significa que Artaud se dedique a estudiar las preocupaciones cósmicas.

17. Por el contrario, todo el espectáculo, la puesta en escena debe conducir al espectador por el camino hacia esas sensaciones del rito ancestral.

Los verdaderos artistas revientan siempre

¡Que revienten los artistas! "Los verdaderos artistas revientan siempre", declaró Kantor, quien califica esta obra de inexplicable a través de palabras, pero que llega a la mente a través de la emoción, y no al revés.

Preguntarle a Kantor cuál es el proceso que sigue para crear sus espectáculos le hace matizar sobre diferentes aspectos. Sabe que nadie en España ha vivido de cerca ese proceso, de más de 30 años, y quiere dejar claro que su teatro no es una obra, no es ¡Que revienten los artistas! sino algo que tiene relación entre sí a lo largo de más de tres décadas.

"Hace falta explicar el método y contar cómo para cada espectáculo se descubre un nuevo método. Pero después de 30 años de trabajo veo que es un único método, siempre el mismo.
Hay una línea que une todas mis épocas, todas mis investigaciones, todos mis montajes, y ésa es una única línea general".

Kantor se pregunta constantemente si existe verdaderamente un método en toda esta locura. Él es un gran creador que contamina su teatro con su profesión de pintor y escenógrafo. "Creo que sí, que naturalmente existe el método. Pero éste no es el de teatro de repertorio". En 30 años tan sólo ha creado ocho espectáculos, algo anormal si tenemos en cuenta que se habla de un trabajador infatigable. "Hemos hecho tan pocos espectáculos porque no hacemos estrenos. Existe el primer espectáculo, pero procedemos según el método que marca las diferentes etapas de creación".

Kantor comenta que, cuando mira hacia su pasado, ve claramente en él ocho etapas, correspondientes a sus ocho espectáculos. Cada una de estas etapas significa un cambio para Kantor, no en las ideas, pero sí en las formas. Una primera etapa que él denomina de teatro informal, los primeros años de la década de los sesenta ligada a su etapa de pintura informal, que practicara desde 1955. "El mundo, en esta época, era verdaderamente informal", comenta Kantor. "Después vino, en especial pata los polacos, el vacío, la nada; de ahí que venga posteriormente, a partir de 1963, la etapa del teatro cero, en que hay que sobrevivir en el vacío. Después viene la época del teatro-happening, en torno a 1967. En 1972 surge una época que he definido como de teatro imposible. Entre 1970 y 1972, el mundo estaba sin salida en Polonia, en Francia, en todas partes. No había solución en ningún sitio".

La etapa de la muerte

A partir de 1975 se pudo conocer la trayectoria de Kantor desde España. En aquel momento crea La clase muerta, en ruptura sin precedentes con sus etapas anteriores. Él la define como la etapa de la muerte. Después llegaría Wielopole, Wielopole, espectáculo que tituló con el nombre de su ciudad natal, en 1979. Kantor no ha encontrado nombre para esta etapa. "Quizá sea la continuación de La clase muerta, pero es todavía más. Se podría denominar como el teatro de la memoria"."En ¡Que revienten los artistas! busco en qué etapa estoy, pero no he dado con ella".

Kantor opina: "Los verdaderos artistas revientan siempre. Muchos se han suicidado porque no soportaban el mundo exterior. En mi concepto del arte, los artistas deben morir porque la creación debe suponer la descomposición del individuo, pero hay demasiados artistas oficiales cercanos al poder, como en este festival".
"Durante estos 30 años he cambiado no mi actitud, pero sí las formas, porque no se puede ser inmutable. El Mundo cambia a nuestro alrededor y tenemos la obligación de caminar a su lado"

Cuando Kantor cambia su relación, no su actitud, con el mundo exterior empieza a buscar las formas que, lo expresan. "Las encuentro y entonces empiezo a hacer el espectáculo". Kantor concibe el teatro como una única forma de arte. "Últimamente he reflexionado sobre qué es el teatro. Todos os directores se ponen a decir: 'En el teatro tenemos que buscar las obras, la escena', pero no se dan cuenta de que el teatro es la obra de arte única para todo el teatro, para toda la vida. La obra de arte debe construirse".

Para Kantor está claro el método que utiliza. Es el de no hacer teatro de repertorio, no interpretar, ya que sus actores no hacen papeles, sino que hacen de ellos mismos.

Existen verdaderamente. "Cuando el papel no existe, cuando el actor no representa, no hace ilusión. Es real. Entonces, los objetos no, son accesorios, no son decorados; son objetos arrancados de la vida. La noción dadaísta del objeto cercano no es el objeto excluido como objeto de arte. Esta mesa, donde nos sirven cafés que se nos enfrían, es el objeto de arte, y haré todo para hacer de esta mesa de la vida cotidiana el objetode arte. Son imágenes de arte".

Taller de Teatro Contemporáneo curso 2008/2009


























miércoles, 24 de junio de 2009

Autodisciplina

El Maestro Sensei levantó los brazos y exclamó:
- ¡AUTODISCIPLINA!
- Querido maestro, ¿es tan importante que me autodiscipline si quiero ser actor?
- Disciplinarse es la manera de colocarse en actitud de discípulo.
- No lo comprendo, querido Maestro Sensei.
- No lo comprendes porque tú eres un alumno de teatro, no mi discípulo.
- Sigo sin comprenderlo, ¿cuál es la diferencia?
- El discípulo es aquel que está en condiciones de aprender, sólo entonces puede aparecer el maestro.

Acto seguido, el Maestro Sensei repartió entre todos los asistentes el siguiente texto.

"Cuando hablamos de la disciplina pensamos enseguida en el sargento que le da órdenes a un soldado. La disciplina no debe imponerla el Director o la Profesora de Teatro. Lo ideal es que el actor o actriz llegue a autodisciplinarse. Ahora bien, esto no es castigarse por no haber hecho lo que había que hacer. Si cometes un error, debes hacer algo inmediatamente para corregirlo. La disciplina debe ser asumida por el/la practicante de manera voluntaria para favorecer su propio desarrollo.

La disciplina en teatro es comprender la esencia de la actividad que realizamos y favorecer la mejor concreción de la tarea. Estamos hablando de la disciplina como actitud. Esa actitud es la que nos prepara para ensayar con los compañeros y estar predipuesto a compartir un trabajo expresivo. Es llegar a la hora fijada aunque los otros lleguen más tarde y es también no faltar a la cita, ya que siempre se es imprescindible en una tarea colectiva.

Disciplina, desde esta óptica, es hacer un calentamiento aunque los demás no lo hagan, es traer los útiles y objetos de trabajo, es preparar el ámbito, descubrir si el suelo está sucio, detectar si hay cambios en el espacio y su mobiliario. Es, también, traer siempre ropa de trabajo y cambiarse con tiempo en el vestuario, viviendo este momento como una transición que predispone para la tarea.

Disciplina es concentrarse en el ensayo, prestar atención, no romper el ámbito, no distraerse, no bromear a destiempo y ayudar a que se cumplan los objetivos propuestos para ese día.

Disciplina es guardar los materiales del espectáculo una vez terminado el ensayo. Antes que nada. Antes de preocuparse por otras cosas, antes de volver a vestirse de calle. Para que mañana se puedan encontrar en su lugar y para reparar aquello que se haya roto.

Disciplina es saber que no hay ninguna justificación para no cumplir con lo antedicho. Cuando detectamos alguna excusa es señal de que todavía no hemos comprendido la esencia de la actividad teatral o que el ego no permite tener la humildad suficiente para compartir adecuadamente con otros una disciplina"

Disciplina es ayudar en la escenografía y pintar si hace falta o lijar y reparar lo que está roto.Disciplina es ayudar a crear un ambiente de trabajo, es no poner malas caras ni gritar, ni enfadarse cuando las cosas no salen todavia, disciplina es tener paciencia con el proceso creativo, disciplina es no escaquearse de la tarea cuando los demás están ocupados.

El alumno que había hecho las preguntas se marchó cabizbajo y estuvo pensando durante algún tiempo. Finalmente decidió abandonar las clases. Actualmente trabaja en la empresa de su padre y algunas veces publica críticas teatrales en un periódico de tirada provincial. Se casó hace un mes y prefiere ir al cine que al teatro.

Si no tienes voz, grita. Si no tienes piernas, corre. Si no tienes ganas, inventa. Porque recuerda que todo gran fuego empezó por una pequeña chispa.


El actor creativo/La actriz creativa
Jesús Jara - Alfredo Mantovani

miércoles, 17 de junio de 2009

Taller de Teatro Contemporáneo 2008/2009 4ºB " Africa en Versos Mojados"



Felicitar desde aqui a todos los alumnos de 4ºB del curso 2008/2009: Ana, Chico, Salva,Carlos, Carmen,Clara, Noelia, Lucas, Maria, Marina, que a pesar de los malos ratos, el resultado fue espectacular, gracias a todos.










"Africa en Versos Mojados"



Se estrenó los dias 16 y 17 de Mayo de 2009
en la Sala Falla del Conservatorio Superior de Música





Taller de Teatro Contemporáneo 4ºB de la Esad de Málaga

Curso 2008/2009

En este montaje nos situamos en un espacio dual, que nos remite a los dos espacios del mediterráneo, las dos orillas que constituyen uno de los vínculos mas significativos geográficamente hablando entre España y Marruecos: El Estrecho, un verdadero y autentico Cementerio Marino, un estrecho devorador de vidas y de esperanzas.
Pretendemos en este montaje ser testimonio vivo de los ausentes, de los traficados, engañados y vendidos, queremos también aportar nuestro granito de arena para la reflexión en este espacio escénico donde la sensibilidad y la simbología se unen a la crudeza del lenguaje, a la incógnita de la dignidad humana que flota silenciada en las espumosas aguas del sur.
Nos basamos en los textos de Abderramán el Fathi, (“Desde la otra orilla” con sus poemarios “Abordaje” y “África en versos Mojados”) de Nayra Pérez (con su poema “Cementerio Marino siglo XXI) y el monólogo de Angélica Liddell (“Y los peces salieron a combatir contra los hombres”)

África en versos mojados no es mas que una suma de gritos rebeldes en contra de un espacio donde con ansias, impotencia y angustia “brilla la falta de dignidad” y donde “la verdadera deshonra es permanecer en tierra” como nos indica Abderramán el Fathi (Pág. 68 y 73)

“Hay que poner en manos del arte el grito del ahogado para que realmente se escuche, sólo mediante el arte accederemos al horror. Hay que abandonar las imágenes del horror cotidiano, imágenes ya casi domésticas, domesticadas por los medios de comunicación, hay que abandonar esas imágenes cotidianas para crear el horror, sólo el horror creado nos puede transformar. Y además hay que utilizar la poesía, la forma más elevada de lenguaje para crear el horror. Hay que recuperar el lenguaje para hacer justicia a los excluidos, pero no con la presencia de los excluidos sino de todo lo contrario, con la presencia de los injustos. Sólo así conseguiremos oponernos a ellos y no perseguir esa forma de vida acomodada que sólo conduce a la indiferencia y a la ignorancia. Europa se pudre de indiferencia y de ignorancia”. (Angélica Liddell)
El Taller de teatro Contemporáneo de 4º B 2009 “África en versos mojados” es un esfuerzo de violencia poética que intenta reflejar la cara más siniestra de España.